Martin Scorsese: Un infiltrado en Hollywood describe con pasión, rigor y amenidad la vida y obras del más prestigioso director de cine norteamericano de la actualidad. A través de sus páginas, Tomás Fernández Valentí va desvelando las claves de un cine innovador y comprometido, poblado de estrellas como Robert de Niro, Leonardo DiCaprio, Tom Cruise, Nicholas Cage, Paul Newman, Cameron Díaz, Michelle Pfeiffer, Daniel Day-Lewis, Sharon Stone, etc., que dan vida a una serie de formidables personajes tan variopintos como gángsteres, veteranos de guerra, camareras, cantantes, boxeadores, noctámbulos, buscavidas, ex presidiarios, elegantes damas, aristocráticos caballeros, monjes budistas, camilleros, multimillonarios, policías, delincuentes plasmados en títulos tan inolvidables como Taxi Driver, Toro salvaje, La última tentación de Cristo, Uno de los nuestros, La edad de la inocencia, Casino, Gangs of New York, El aviador e Infiltrados, esta última galardonada, con el Óscar al Mejor Film y Mejor Director. Esta obra trasciende el relato de una vida con luces y sombras y de una vida con éxitos y fracasos, Tomás Fernández Valentí, nos muestra un panorama vivo del cine ...
Hay que leer con atención el libro y uno se va dando cuenta, poco a poco, de que se trata de un texto de secretos vasos comunicantes, de caprichos muy personales, donde el cine es un pretexto para hablar de historia, de filosofía, de trivia, de dudas o incluso de modelos de construcción dramática. He leído estas Imágenes escritas de un soplo y uno se va dando cuenta de que los textos no sólo fueron concebidos para publicaciones aisladas. Hay textos que no existen sino en este Libro. Ellos sirven de tejido interno para que el volumen haya sido levantado casi como una novela cinéfila, en la cual hay un planteamiento a través de la prehistoria (los Lumiere, Mélies, Caligari, Stroheim, el slapstick, Murnau, Dreyer ... ), se abre el horizonte con los que atravesaron del mudo al sonoro (Von Sternberg, Lang, Renoir, Ford .. .), para luego entrar en el territorio de los conflictos (Welles, Hawks, Powell, Reed, Donen, De Sica, en fin, Ozu, Mann, Ray ... ), llegar a los mejores clímax del cinéma d\'auteur (Truffaut, Fellini, Wilder, Visconti, Bergman ... ) hasta cabalgar en desenlaces abiertos en los que González mezcla a Coppola con Víctor Erice y concluye, como buen crítico ...
Cincuenta entrevistas con otros tantos cineastas de treinta países diferentes articulan el contenido del presente libro y lo convierten en la crónica de la modernidad cinematográfica, así como en el itinerario seguido en las últimas cuatro décadas, desde principios de los sesenta hasta los comienzos del siglo XXI, por uno de los críticos más reputados del panorama internacional. Con la voluntad no sólo de celebrar a los grandes nombres, sino de descubrir nuevos talentos, Michel Ciment lleva al lector de Tokio a Los Ángeles, de Moscú a Manila, de Roma a Budapest, así como a los grandes festivales de Venecia, Cannes y Berlín, para encontrarse cara a cara con Bresson, Scorsese, Fellini, Cronenberg, Kitano, Wong Kar-wai, Tarkovski, Kiarostami o Cassavetes, los indudables protagonistas que han «construido» el cine del último medio siglo. A la luz del presente volumen, el lector observará que lo que resulta pequeño no es el planeta en sí, sino nuestro conocimiento sobre él. Despertar el interés de los amantes del cine por un universo sepultado en sombras e invitarles a descubrirlo y a desescombrarlo con todos los medios a su alcance es sin duda el precioso logro de...
«Mi propósito es ilustrar la historia del cine mucho más que su actualidad (...), tratar de precisar lo mejor posible el origen y el primer uso de tal o cual efecto del lenguaje visual y sonoro, y dar ejemplos seleccionados de los clásicos de la cinematografía». Marcel Martin analiza con gran rigor las películas más importantes explicando todos aquellos componentes que las han convertido en obras de arte imperecederas. Muchos de estos clásicos pueden considerarse hoy tan valiosos como la Ilíada, la Capilla Sixtina o la Novena Sinfonía de Beethoven. Con su fina atención al trabajo de la cámara, a los decorados y a la creación de diversas modalidades de espacios y tiempos para resaltar la lógica de la narración, el autor enriquece las teorías estéticas del cine con la dimensión y los conceptos de la semiótica cinematográfica. La obra se dirige especialmente a estudiantes para señalar los logros admirables de invención y creatividad en la fase aún experimental del cine clásico. Sus bases se encuentran en toda la producción posterior, que no ha añadido más que refinamientos técnicos.
La creatividad es el motor que ha hecho avanzar el mundo del cine. Este es el principio del que parte este libro, sin el cual resulta imposible entender lo que ha convertido el séptimo arte en el poderoso medio que es en la actualidad. Ésta es una historia del cine narrada con pasión desde la perspectiva de los propios cineastas. Entretejiendo comentarios sobre personalidades, los avances tecnológicos y los cambios en la producción, junto con comprometidas descripciones de las escenas más innovadoras de las propias películas, Mark Cousins ha sabido captar los aspectos más relevantes de la historia del cine sin tener que recurrir a la jerga cinematográfica ni a un exceso de teoría. Gracias a su experiencia como crítico, productor y director de cine, Cousins describe el modo en que los cineastas influyen unos en otros y al mismo tiempo reciben la influencia del mundo en el que les ha tocado vivir.
La mayoría de los grandes cineastas no sólo poseen plena conciencia de su arte y de su oficio, sino que en muchos casos han vertido esas reflexiones en forma de verdaderas teorías. Con la lectura de este libro descubriremos que esas teorías son a menudo muy rigurosas y siempre imaginativas, y que las aventuras especulativas propuestas desde los años veinte hasta nuestros días por cineastas de todo tipo constituyen una panorámica en extremo sugestiva de las principales cuestiones vinculadas al lenguaje cinematográfico. Cuestiones de sociedad, de ideología y de política. Cuestiones de arte y estética. Cuestiones de realismo y teoría de la representación. Cuestiones de lenguaje y semiótica. Cuestiones antropológicas e históricas. Cuestiones de poética y literatura. Pocos territorios de la actividad intelectual escapan a esas grandes construcciones subterráneas que este libro define como «teorías de los cineastas».
En 1996, la revista Cahiers du cinéma pidió a Martin Scorsese --recién terminada su película Casino— que fuera el redactor jefe de su número 500. El cineasta norteamericano aceptó con entusiasmo y se convirtió a la vez en director, actor y narrador de un acontecimiento muy especial. Lo que resultó evidente es que, con Scorsese, el diálogo entre ambos lados del Atlántico no sólo es posible, sino también fructífero y estimulante, algo que él no cesa de alimentar como cineasta y como espectador bulímico. Mientras cuenta su vida, habla de cine. Y mientras habla de cine, de sus películas o de las de aquellos autores que admira, de hecho está contando su vida: Nueva York, Little Italy, su familia, los filmes de su infancia y adolescencia, su amistad con Robert De Niro o con los cineastas de su generación (Lucas, Coppola, Spielberg, De Palma...)... A los textos y entrevistas aparecidos en Cahiers se añaden en esta edición algunos escritos más recientes sobre Kundun o la música y elogios de Sam Fuller, Robert Mitchum y James Stewart. Así, en su cartografía íntima del cine, Scorsese consigue unir sin dificultades la tradición hollywoodiense con la modernidad...
Huérfano, relojero y ladrón, Hugo vive entre los muros de una ajetreada estación parisina de ferrocarriles. Si quiere sobrevivir, nadie debe saber de su existencia. Sin embargo, un día tiene un descuido y es descubierto por una excéntrica chica, amante de los libros y por un viejo y amargado juguetero. Y ya nada será como antes.
Transcurriendo en paralelo a las rupturas estéticas de las vanguardias artísticas de principios del siglo XX, el cine experimental investiga el potencial del medio cinematográfico a través de sus posibilidades formales y su trasfondo crítico. Estas prácticas fílmicas interrogan las imágenes y los sonidos tecnológicos vindicando un espíritu autodidacta, narraciones atípicas, formulaciones abstractas y temporalidades inusitadas. Radicales libres analiza cincuenta obras fundamentales que constatan el desarrollo de la experimentación desde la década de los años 20 hasta la actualidad. De la sinestesia de la música visual a la transgresión del surrealismo; del vigor autobiográfico del cine lírico al reciclaje matérico del found footage; del minimalismo del structural film a la irradiación del expanded cinema; del discurso metafílmico del cine-ensayo a la pausa del documental contemplativo y del elogio fotoquímico del celuloide al cine de artistas en el cubo blanco. Libertad y radicalidad fundamentadas de modo cinemático.
¿Qué tienen en común realizadores, actores y guionistas tan dispares como Jean Epstein, Boris Karloff, Bela Lugosi, Robert Florey, Vincent Price, Roger Corman, Luis Buñuel, Richard Matheson, Mario Bava o Stuart Gordon? Pues que todos ellos, en algún momento de su trayectoria profesional, fueron cautivados por el sombrío universo creativo del escritor norteamericano Edgar Allan Poe, o exteriorizaron su poderosa influencia. Y de tan tortuosa y fructífera relación da fe Las sombras del horror. Edgar Allan Poe en el cine, un recorrido a través de las numerosas adaptaciones cinematográficas de la obra de uno de los grandes maestros de la literatura fantástica de todos los tiempos. El bicentenario del nacimiento de Edgar Allan Poe (1809-1849) brindaba la ocasión idónea para acometer este ensayo colectivo, el primero de su especialidad en lengua castellana. Las sombras del horror. Edgar Allan Poe en el cine profundiza, asimismo, en la gran paradoja que el cine sobre Poe plantea a los prestigiosos ensayistas y narradores reunidos en este volumen –Vicente Muñoz Puelles, José María Latorre, Pilar Pedraza, Roberto Cueto, Jesús Palacios, Montse Hormigos, Ángel Sala–,...
La pintura puede inspirar la escenografía, el cromatismo o la caracterización de los personajes de una película. También Picasso, Van Gogh, Las Meninas, Goya o la capilla Sextina son susceptibles de convertirse en imágenes cinematográficas. Pero su presencia va más allá y actúa en niveles más profundos., como demuestran obras tan dispares como Vértigo, Moulin Rouge, El gatopardo, La edad de la inocencia o Frida. Y esto es así porque el cine es, en parte, heredero del arte pictórico. Este libro intenta descubrir los distintos caminos por loas que la pintura llega al cine, estableciendo sus complejas relaciones, las semejanzas y las diferencias entre ambos tipos de representación visual, teniendo en cuenta que cualquier reflexión sobre el tema supone hablar siempre de puesta en escena, es decir, de cómo construir una imagen.